20 chansons des années 60 que vous écoutez probablement encore aujourd’hui

Sorti en 1968, « Hey Jude » est devenu le plus grand succès des Beatles aux États-Unis, occupant la première place du Billboard Hot 100 pendant neuf semaines. Les paroles tendres de la chanson et sa coda épique ont transformé un moment personnel en un hymne mondial de réconfort et de résilience.

Lorsque Keith Richards a imaginé ce riff dans une chambre d’hôtel de Floride, il ne s’attendait pas à réécrire le schéma directeur du rock. « Satisfaction » est sorti en 1965 et a marqué la percée des Rolling Stones aux États-Unis. La guitare fuzz brute a été enregistrée à l’aide d’un Maestro FZ-1 Fuzz-Tone.

Certains l’ont qualifié de « symphonie de poche » Brian Wilson a passé des mois à enregistrer « Good Vibrations » dans quatre studios, l’assemblant à l’aide de montages de bandes et d’expérimentations orchestrales. Sa sortie en 1966 a mis en évidence le virage psychédélique des Beach Boys et a introduit l’Electro-Theremin dans la culture pop.

Aretha Franklin a modernisé le tube d’Otis Redding de 1965. En inversant la perspective de genre et en ajoutant ces chants et chœurs emblématiques « R-E-S-P-E-C-T », elle a créé une puissance soul en 1967. Cette chanson est devenue à la fois un hymne aux droits civiques et une déclaration audacieuse de féminité qui attire toujours l’attention.

Inspiré par Bach et la poésie surréaliste de Keith Reid, ce premier album de Procol Harum est un véritable coup de foudre. Son son baroque-rock et ses paroles énigmatiques en ont fait un morceau phare de l’invasion britannique. Le single s’est classé en tête des hit-parades dans de nombreux pays en 1967.

Peu de premières lignes sont aussi percutantes : « Il était une fois, tu t’habillais si bien… » Le classique de Dylan, sorti en 1965, a bouleversé les attentes en matière de longueur des singles radiophoniques. La chanson fusionne le folk et le rock avec un lyrisme mordant. Rolling Stone l’a classée numéro 1 des « 500 plus grandes chansons de tous les temps »

Bien que Gladys Knight & the Pips l’aient d’abord classée, l’interprétation de Marvin Gaye est devenue la version définitive. Enregistrée un an plus tôt mais mise de côté par la Motown, son interprétation obsédante et son orchestration marquaient une orientation plus personnelle pour Gaye. En 1968, cette chanson est devenue le single le plus vendu de la Motown.

La voix de David Ruffin a instantanément amélioré le statut des Temptations. Publiée à la fin de 1964 et classée numéro un en mars 1965, cette chanson a été écrite par Smokey Robinson et Ronald White. La ligne de basse et l’arrangement des cordes en ont fait un standard de la soul-pop. Même les jeunes fans la reconnaissent instantanément.

Sorti en 1969 dans un contexte de tensions croissantes liées à la guerre du Viêt Nam, le titre « Fortunate Son » du groupe Creedence Clearwater Revival était une attaque directe contre l’inégalité des classes dans le système de recrutement. La voix grinçante de John Fogerty et la guitare swamp-rock confèrent à ce morceau une authenticité de col bleu qui résonne encore dans les mouvements politiques.

Ben E. King a coécrit et enregistré « Stand By Me« , dont l’impact n’a cessé de croître au cours de la décennie. Basée sur un gospel spirituel et sur l’hymne de 1905 de Charles Albert Tindley, elle fusionne le R&B et le doo-wop. Sa résurgence en 1986 grâce à un film a cimenté sa pertinence intemporelle.

« California Dreamin' » enveloppe le désir dans une harmonie parfaite, capturant le froid des hivers de la côte Est et l’attrait irrésistible de la côte Ouest. Enregistrée par The Mamas & the Papas à la fin de l’année 1965, elle s’est hissée au sommet des hit-parades en 1966. Le solo de flûte emblématique est un heureux hasard.

Le morceau « Paint It Black » des Rolling Stones a fait entrer le sitar dans le monde du rock, grâce à Brian Jones. Ses thèmes sombres et ses sons tourbillonnants ont marqué un tournant vers le psychédélisme. C’est également le premier tube américain numéro un à mettre en valeur un instrument non occidental.

Remixée de manière inattendue, la chanson acoustique de Simon & Garfunkel datant de 1964 a été électrifiée en 1965 par le producteur Tom Wilson à leur insu. Cette version électrique a décollé et s’est classée en tête des hit-parades au début de l’année 1966. Cette chanson a touché une génération entière à une époque d’agitation politique et de désillusion.

Originellement interprétée par les Top Notes, puis par les Isley Brothers, cette chanson a trouvé une nouvelle vie en 1963 grâce aux Beatles. Enregistrée à la fin d’une longue session en studio, la voix déchiquetée de Lennon a capturé une énergie sauvage qui a fait de cette chanson un succès international.

L’album des Animals, sorti en 1964, a transformé une ballade folk en un classique blues-rock envoûtant. L’orgue d’Alan Price et la voix d’Eric Burdon apportent une intensité hypnotique. D’une durée de plus de quatre minutes, ce titre défie les limites de longueur imposées par les radios, ce qui ne l’empêche pas d’être largement diffusé dans l’ensemble des États-Unis.

Sortie fin 1963 au Royaume-Uni et début 1964 aux États-Unis, « I Want To Hold Your Hand » a lancé la Beatlemania du jour au lendemain. Accrocheuse et claire, elle fait le lien entre le rock ‘n’ roll et la pop, avec un attrait de masse qui ne peut être ignoré.

Elle évoque peut-être les motos rugissantes et le film Easy Rider, mais « Born To Be Wild » n’a pas été écrite pour ce film. Sortie en 1968 par Steppenwolf, elle est également considérée comme l’une des premières utilisations du terme « heavy metal », qui a façonné l’identité du genre.

Dusty Springfield est sortie de sa zone de confort avec ce morceau de soul sudiste. Destinée à l’origine à Aretha Franklin, la chanson a trouvé sa voix dans le phrasé enfumé de Dusty. La production de Muscle Shoals lui a donné une nouvelle vie des décennies plus tard grâce à Pulp Fiction en 1994.

Dylan l’a écrite, mais Hendrix l’a redéfinie. Le groupe Jimi Hendrix Experience a publié sa version en 1968. Dylan lui-même a commencé à interpréter la chanson à la manière d’Hendrix après l’avoir entendue. Les paroles énigmatiques et les solos explosifs de la chanson en ont fait l’une des reprises les plus transformatrices du rock.

Basée sur une mélodie classique de Jean-Paul-Égide Martini, la ballade d’Elvis Presley de 1961 est devenue l’un de ses enregistrements les plus appréciés. Utilisée dans Blue Hawaii et, plus tard, dans presque tous ses concerts, la douceur de l’arrangement et la sincérité de l’interprétation lui ont permis de rester vivante.